- Hva er teaterets opprinnelse og historie?
- Den greske opprinnelsen til teatret
- Opprinnelsen til ikke-vestlig teater
- Liturgisk drama og middelalderteater
- Blomstringen av japansk teater
- Renessanseteater og commedia dell'arte
- Inngangen til moderniteten
- Det 20. århundre og moderne
Vi forklarer teaterets opprinnelse og historie i ulike deler av verden, fra antikken til i dag.
Hva er teaterets opprinnelse og historie?
De teater, den kunstneriske sjangeren der litteratur (dramaturgi) og scenekunst (teaterforestilling), er en av historiens eldste kunstneriske uttrykksformer. menneskeheten.
Selv om dens opprinnelse ofte går tilbake til Antikken klassiker av Vesten, sannheten er at nesten alle eldgamle kulturer de hadde en form for teater eller lignende forestilling, som de utdannet ungdommene sine med, ba til sine guder eller husket deres myter grunnleggende.
De første som forsto teater som en kunstform i seg selv, det vil si som «dramatisk kunst», var imidlertid de gamle grekerne på 600- til 400-tallet f.Kr. c.
De gamle grekerne feiret visse ritualer religiøs til ære for Dionysos, guden for vin og fruktbarhet, kjent som bacchanalia. I disse riter de danse og transetilstander var normale, men også en viss fortelling og iscenesettelse av de grunnleggende mytene, og sistnevnte var det som ga opphav til teatret.
Den greske opprinnelsen til teatret
Den oppsto på 600-tallet f.Kr. C. takket være en prest fra Dionysos, kalt Thespis, som introduserte en viktig modifikasjon av ritualene: en dialog som han holdt sammen med koret under hver festival.
Dermed ble Thespis den første sceneskuespilleren. Faktisk, ifølge kronikker fra det tredje århundre a. C. Det var Thespis selv som vant den første teaterkonkurransen i Hellas, holdt i Athen i 534 f.Kr. c.
Fra da av ble teaterkonkurranser svært vanlig på festivaler til ære for Dionysos, som varte i fire hele dager og brukte oppdelte trekonstruksjoner for orkester, publikum og scene rundt statuen av Dionysos.
Gjennom det 5. og 4. århundre f.Kr. C. det greske teateret blomstret og ble uavhengig av tilbedelse religiøs. Imidlertid fortsatte det å være en mekanisme i det greske samfunnet for å utdanne sine unge mennesker i Religion, den mytologi og klassiske samfunnsverdier.
På den tiden dukket de tre store greske dramatikerne opp: Aischylos (525-456 f.Kr.), Sofokles (496-406 f.Kr.) og Euripides (484-406 f.Kr.), forfattere av et omfattende sett med tragiske skuespill som tok for seg de store greske mytene. Sammen med dem spredte store greske komikere som Aristofanes (444-385 f.Kr.) seg.
Teateret var så viktig i gresk kultur at filosofen Aristoteles (384-322 f.Kr.) ble inspirert av dem til å skrive den første avhandlingen om dramatisk kunst i menneskehetens historie: Poetikk fra 335 f.Kr c.
På samme måte var det så viktig for datidens middelhavsregion, at den romerske kulturen tok det som modell og inspirasjon til å utvikle sitt eget teater mellom det 2. og 3. århundre f.Kr. C. Slik oppsto forfattere med en slik berømmelse som Plautus (254-184 f.Kr.) og Terence (185-159 f.Kr.), hvis spiller de var en del av en mye større begivenhet i romersk kultur: de romerske leker til ære for gudene.
Romerne innlemmet også den greske dramaturgiske arven i sin kultur, og bevarte den på latin for mye senere lesere.
Opprinnelsen til ikke-vestlig teater
Det var også, i antikken, rike teatertradisjoner i øst i verden, spesielt i den antikke kulturen i India. Teateret i India vokste ut av religiøse og seremonielle danser.
Dette teatret skaffet seg en formell studie rundt det 4. og 2. århundre f.Kr.C., å dømme etter hva Natia-shastra, en eldgammel hinduistisk avhandling om dans, sang og drama, tilskrevet musikkforskeren Bharata Muni (datoer er usikre). Dette verket studerer spesielt det indiske klassiske teateret, toppen av sanskritlitteraturen.
I denne typen drama veldig stereotype skikkelser dukket opp som helten (nayaka), heltinnen (nayika) eller klovnen (vidusaka), midt i mytologiske og religiøse historier om gudenes opprinnelse. Forestillingen bestod mer enn noe av skuespillernes dans og dialog, utkledd og sminket, men uten scene eller dekorasjoner.
Indisk teater ble praktisert nesten uten avbrudd eller forandring i lang tid, og nådde sitt høydepunkt mellom det 3. og 5. århundre e.Kr. To av de store dramatikerne i denne tradisjonen var Sudraka (3. århundre e.Kr.) og Kalidasa (4.-5. århundre e.Kr.), sistnevnte forfatter av store kjærlighetsskuespill.
En annen viktig ikke-vestlig tradisjon, teateret i Kina, oppsto rundt 600-tallet f.Kr. C. Den var hovedsakelig satt sammen av danser, akrobatikk, mimer og rituelle handlinger uten en definert sjanger.
Skuespillerne, alle mannlige, kunne spille forskjellige typer stereotype roller, enten det er mannlige (sheng), feminin (så), tegneserier (chou) eller krigere (ching). I mange tilfeller ble det brukt masker og sminke.
Den kinesiske tradisjonen inspirerte lignende versjoner i Japan og andre sørøstasiatiske nasjoner, som blomstret i senere århundrer, og som ikke var kjent i Vesten før nesten det nittende århundre.
Liturgisk drama og middelalderteater
Etter fallet av Romerriket, mistet teatret i Vesten sin gamle folkelige og religiøse relevans: dette er fordi Kristendommen avviste arven hedensk av Europa og han gjorde alt for å skille seg ut og distansere seg fra den tradisjonen. På 1000-tallet var imidlertid den kristne liturgien og feiringen av påsken sentrale begivenheter i kristen kultur, og ble utført med stor pomp og natur.
Således, i Middelalderen oppsto et liturgisk teater, som gjengav de viktigste scenene i kristen mytologi, som Maria Magdalenas besøk i Jesu Kristi grav. Med dette ble født en rik tradisjon for senere kristen dramaturgi.
Rundt det ellevte og tolvte århundre begynte mange franske klostre å iscenesette bibelske historier på en plattform utenfor tempelet, og forlot også den latinske kulten for å bruke folkespråk, nærmere folket. Iscenesettelsen av 1. Mosebok eller Apokalypsen, eller de plagete liv til helgener, slik som den hellige Apollonia eller den hellige Dorothea, var vanlig.
Etter hvert som disse teatralske handlingene fikk kompleksitet, begynte de å bli stilt ut på flottører eller mobile scener, for å ta liturgien og den kirkelige historien til de forskjellige hjørnene av landet. Dette var spesielt populært i Spania, og de ble kjent under navnet Sakramentelle biler, det vil si eukaristiens dramaer.
Lignende hendelser ble gjennomført i England på den tiden, spesielt i løpet av Corpus Christi, og ble populære former for teater, vanlig i hele Europa frem til 1500-tallet.
Fra da av dukket hans viktigste kritikere opp: de protestantiske puritanerne som fordømte den dominerende humoren og vågen i hans fremstillinger, og humanister Renessansen som så med dårlige øyne sine lettsindighet og dens kobling med en viss middelaldersk tradisjon som de forsøkte å bryte ut fra.
Følgelig ble mange av disse verkene forbudt i Paris og i landene i det protestantiske Europa, mens de blomstret i motreformasjons-Europa, hovedsakelig i Spania. store forfattere av barokk Spanjoler som Lope de Vega (1562-1635), Tirso de Molina (1583-1648) og Calderón de la Barca (1600-1681) regnes blant de største forfatterne av den sakramentale handlingen.
Blomstringen av japansk teater
I mellomtiden, i Japan på 1300-tallet, krystalliserte en utøvende kultur. Arving til shinto-danser og buddhistiske ritualer, både deres egne og kopiert fra Kina og andre asiatiske nasjoner, tok det japanske teatret sine viktigste skritt.
Fra da av tok tre store tendenser sine første skritt:
- Det raffinerte lyriske dramaet til noh og kyogen teater.
- Bunraku litterære dukketeater.
- Senere, kabuki-teateret, borgerskapets dramatiske skue.
Noh-teater oppsto i Kyoto rundt 1374, under veiledning av shogunen Yoshimitsu, og startet en viktig tradisjon med teatralsk beskyttelse av japanske føydalherrer.
De fleste av verkene i denne stilen, fremført med uendelig ynde og raffinement av mannlige skuespillere akkompagnert av et lite kor, ble skrevet i de følgende tiårene av Kanami Motokiyo, hans sønn Zeami Motokiyo, og senere svigersønnen til sistnevnte, Zenchiku. Det er skrevet få nye skuespill for Noh teater siden 1400-tallet.
Kanskje av denne grunn, mot 1500-tallet, presenterte det japanske teaterpanoramaet en viss nedgang. Til dette skal legges forbudet fra 1629 mot alle teaterforestillinger med kvinner i hovedrollen, etter at presentasjonene til shintoprestinnen O-Kuni vakte oppsikt blant publikum i Kyoto.
Det er grunnen til at det på begynnelsen av 1600-tallet dukket opp et nytt japansk teater for å fylle tomrommet, som gjenspeiler datidens nye borgerlige sensibiliteter: Kabuki, et vellykket kaféteater, som brukte overdådige omgivelser og forseggjorte kostymer, hvis verk de kom fra den litterære tradisjonen og dukketeateret.
Renessanseteater og commedia dell'arte
Som i mange andre Kunst og kunnskap, den Renessanse Europeisk markerte et før og etter innen teater og dramaturgi. Verkene ble mer naturlige, fratatt deres religiøse forpliktelser og reddet den teoretiske arven etter Aristoteles, så vel som de gamle mytene og klassiske symbolene.
Triumfen av borgerskapet etter hvert som den nye dominerende sosiale klassen bestemte en endring i teatralsk følsomhet og snart ble fødselen av nye sjangre og nye stiler vitne, som det spanske barokkteatret og det engelske elisabethanske teateret, i hvis tradisjon dukket opp store navn som Miguel de Cervantes og William Shakespeare.
Den viktigste av de nye teaterformene var imidlertid den italienske Commedia dell'Arte, som dukket opp rundt 1545 som en form for gate- og populærteater, men fremført av profesjonelle skuespillere. Mange av teatergruppene var omreisende, flyttet fra by til by og satte opp provisoriske scener.
Der representerte de stykker av komedie fysiske, teatralske improvisasjoner og egne stykker hvis tegn de var lett og raskt gjenkjennelige, siden de alltid bar de samme maskene. For eksempel, bukser han var en pompøs og dårlig humør som ble spilt vitser og tull, mens Harlecchino var den spøkefulle og vågale tjeneren, og Pulcinelli han var den magre, pukkelryggede bankespesialisten.
Fra da av begynte nye former for teaterforestillinger å bli populære i et Europa som verdsatte dramaturgi mer og mer. De tragikomedie ble en populær sjanger, en slags mellomledd mellom komedie og tragedie. Opera dukket også opp på 1600-tallet, og den såkalte "italienske teaterstilen" spredte seg over hele Europa.
I samme sammenheng hadde det franske teatret en viktig oppblomstring, i hendene på anerkjente dramatikere som Pierre Corneille (1606-1684) og Jean Racine (1639-1699), store forfattere av tragedier, og spesielt Jean-Baptiste Poquelin, bedre. kjent som Molière (1622-1673), skuespiller og forfatter av komedier, farser, tragikomedier og noen av de mest berømte verkene på det franske språket.
Inngangen til moderniteten
Den neste store endringen i den vestlige teatertradisjonen kom med Romantikk tysk, spesielt Sturm og Drang i andre halvdel av det attende århundre.
Som i resten av kunsten, la den teatralske romantikken vekt på sentimentalitet og drama mot rasjonalismen som dukket opp med Illustrasjon Fransk. Han foretrakk mørke, mystiske temaer, spesielt de fra populærkultur og folklore.
Arven etter forfattere som Wolfgang von Goethe (1749-1832) og Friedrich Schiller (1759-1805), med store dramatiske verk som Faust eller William Tell på begynnelsen av 1800-tallet, var inspirasjonen til fødselen av en ny sjanger: melodramaet, som inkorporerte musikk for å understreke følelsene til karakterene.
Fra hånden til nasjonalisme Europeisk, denne nye stilen fanget inn i nesten alle land og produserte anerkjente verk og forfattere som Georg Büchner, Victor Hugo, José Zorrilla og mange andre.
Grunnleggelsen av moderne teater fant imidlertid, riktig sagt, sted langt inn på 1800-tallet, med grunnlaget for realistisk teater, rasjonalismens triumf over romantikerne. Realismen la vekt på behovet for et naturalistisk teater: sett som ligner på ekte, troverdige forestillinger og strippet for storslått diksjon eller gester.
Som forventet ble realismen født i Frankrike, opplysningstidens vugge.Den nådde imidlertid sitt uttrykksfulle høydepunkt i pennen til nordiske forfattere som svenske August Strindberg (1849-1912) og nordmannen Henrik Ibsen (1828-1906), eller til og med med den også fremtredende russiske novelleforfatteren Anton Tsjekhov (1860- 1904).
Det 20. århundre og moderne
Ankomsten av det turbulente 1900-tallet førte med seg fortroppene, en uopphørlig kilde til innovasjon formell og estetisk som fødte mange teaterskoler i Europa og Amerika.
Generelt søkte avantgarden større intensitet og psykologisk dybde i karakterene sine, forlot de tre klassiske aristoteliske enhetene og omfavnet ofte fordømmelse og politisk militans. I tillegg, takket være dem, fikk rollen som teatersjef en fremtredende rolle over skuespillerne; en rolle som kan sammenlignes med filmregissøren.
Avantgarde teatralske bevegelser er for mange til å oppregne i sin helhet, men det er verdt å merke seg ekspresjonisme, det "episke teateret" til Bertoldt Brecht, det absurde teater knyttet til filosofien til eksistensialisme og verkene til Antonin Artaud, Eugène Ionesco og Samuel Beckett.
I tillegg kommer uoverensstemmelsen og den antiborgerlige følelsen til Sinte unge menn: Harold Pinter, John Osbourne og Arnold Wesker. Andre store navn på den tiden var Luigi Pirandello, Alfred Jarry, Arthur Miller, Federico García Lorca, Ramón de Valle Inclán, blant andre.
Siden 1960 har samtidsteater forsøkt å gjenopprette kontakten med tilskuerens følelser, og beveget seg bort fra episk teater og politiske budskap. Det er mange teatralske aspekter som søker å bryte vekk fra scenen og ta teater til gaten, eller inkludere publikum på scenen, eller til og med ty til skjer eller improvisert situasjonsteater i det virkelige liv.